Los 6 mejores consejos sobre cómo producir layers de voces

Si estás trabajando con letras geniales, la producción de la voz es fundamental para tu canción. Algunos de los mejores cantantes del mundo fueron genios en la producción de su voz, desde Freddie Mercury hasta Mick Jagger y muchas otras leyendas del pop y del rock. Hablaremos sobre voces principales, duplicación de voces, armonías, mezcla, procesamiento y más, y las técnicas que analizaremos te ayudarán a llevar tu canción a otro nivel, lo que te permitirá pasar de algo mediocre a algo inolvidable. Y, por supuesto, hemos incluido enlaces a nuestros mejores productos para que te ayuden en el camino.

Marcar el camino

Sin un buen track de voz principal, muchas canciones de pop y rock no serían lo que son. Los Rolling Stones, Madonna y los Smiths tienen voces principales de primer nivel que han atrapado a los oyentes por décadas. Aunque programas de televisión como The Voice intenten hacértelo creer, la técnica no es todo. Muchos de los mejores cantantes de pop tenían voces que no eran técnicamente perfectas, pero transmitían emociones tan sinceras que era imposible no sentirse identificados con ellos. Recuerda que, por lo general, se puede corregir la técnica con efectos, pero es casi imposible replicar la emoción. Lo ideal es que tú o tu cantante tengan el equilibrio perfecto de emoción y técnica.

Cuando produzcas por primera vez a un vocalista, haz que cante la canción desde el principio hasta el final por lo menos una vez, o hasta dos o tres veces. Una vez que tú y el cantante sientan que entienden lo que las letras y la melodía tratan de transmitir, tus decisiones creativas estarán mejor fundamentadas cuando graben y podrás reconocer la energía de cada sección cuando saltes hacia delante y hacia atrás entre ellas durante la grabación. Después, haz que el cantante vaya sección por sección, primero con las estrofas y después con los estribillos, para que trabaje con las partes de menor energía de la canción antes de comenzar con los coros de mayor fuerza y el puente.

Para asegurarte de que la energía del track de voz no suba o baje de forma inapropiada en la canción, recuerda tomar como referencia las primeras tomas que grabaste cuando el cantante cantó la canción completa. Aunque tenga sentido grabar la segunda estrofa inmediatamente después de la primera, tu track de referencia puede revelar que la energía de la segunda es demasiado baja, algo obviamente inapropiado después del primer coro. Si eso sucede y necesitas volver a grabar la segunda estrofa, trata de lograrlo en menos de diez tomas. Si no funciona después de eso, lo más aconsejable es que lo intenten otro día. Recuerda confiar en tu instinto, ya que el proceso es muy personal.

Escuchando dobles

Uno de los métodos más eficaces para darle más profundidad, energía y dimensión a tu voz principal es doblarla. La duplicación también puede funcionar con las voces de acompañamiento. Hay unas cuantas cosas que tienes que recordar cuando trabajas con dobleces.

Dobla tu estribillo en primer lugar, ya que generalmente esta es la sección de la canción con más energía y la que crea el mayor impacto cuando se duplica. Intenta duplicar tu pre-coro también. Quizás sea suficiente acentuar ciertas líneas del pre-coro, así que no tengas miedo de experimentar. También es eficaz duplicar palabras cortas como “mí” y “yo”. Sin embargo, sea lo que sea que elijas duplicar, ponte primero en el lugar del público, piensa en las emociones que estás tratando de transmitir y luego haz la duplicación.

Algunos productores usan la técnica de dos dobleces de todas las líneas que quieren duplicar. De esta manera, puedes pannear hacia la izquierda o hacia la derecha para crear un sonido más amplio. Igualar el tono o el fraseo de la voz principal puede ser un proceso largo y difícil para los cantantes, así que no dudes en usar un doubler o un complemento de chorus para lograr un efecto de múltiples voces en una parte. El MOD PACK, por ejemplo, tiene geniales efectos de chorus que te ayudarán a lograr un sonido muy sólido y constante con una variación mínima de tono o de tiempo. Algunos géneros pueden aprovechar el sonido de duplicaciones más sueltas, como el indie o el hip-hop, mientras que otros estilos más “limpios”, como el pop o el country, se beneficiarán de un sonido más pulido. Pero, si realmente quieres que tus dobleces suenen diferente, usa un micrófono distinto o haz que el cantante se aleje un poco de él. Recuerda: confía siempre en tu oído.

En armonía

Cuando trabajas con armonías, siempre es aconsejable comenzar con el estribillo antes de ocuparte de las estrofas y del puente. En una tonalidad mayor, escucha cómo suenan una tercera mayor arriba y una quinta abajo de la melodía principal. Luego, puedes probar octavas arriba y abajo o una quinta, pero recuerda que el único límite es tu imaginación, y la magia sucede en la experimentación. Entonces, si suena bien, hazlo. Sin embargo, si te quedas estancado, puedes usar THE MOUTH para generar melodías y armonías a partir de cualquier audio que le des, así que vuélvete loco. Una vez que la armonía de tu estribillo esté a punto, escucha de nuevo la canción e intenta subir el tono de frases o palabras de tus estrofas que valga la pena destacar. Recuerda: no sigas muy de cerca las reglas. Usa como referencia las canciones que te gustan y deja que te guíe tu intuición. Si estás en una banda con otros buenos cantantes, no dudes en hacer que participen, ya que esto podría llegar a ser fundamental para tu sonido. Sin embargo, si eres solista, es mejor que cantes las armonías tú mismo para no perder la calidad de tu voz en las canciones.

Texturizar

En lugar de pasar horas probando pads en tu estación de trabajo de audio digital (DAW) hasta encontrar uno que encaje, puedes crear pads y texturas usando la voz de tu cantante. Haz que cante “ohs” y “ahs” o otros sonidos cortos que no opaquen la voz principal. Luego, procesa esos sonidos con efectos y tendrás tu propio pad en forma de sintetizador, con el que podrás experimentar. No dudes en aplicar mucho reverb, chorus, phase, delay, distorsión o cualquier otro efecto que te guste. La idea es crear sonidos únicos. También puedes encontrar en la tonalidad de la canción una combinación de notas que no necesariamente sigan la progresión armónica. Puedes ponerlas en capas superpuestas, y luego copiarlas y pegarlas hasta la duración que quieras, y agregarles una compresión side-chain. Además, puedes hacer una intro única para tu canción creando tus pads de voces y texturas sobre la sección del estribillo, y luego copiando y pegando esas partes donde sea necesario. Si agrupas tus tracks, podrás editarlos y moverlos con más facilidad alrededor del arreglo.

Ponte a recortar

Teniendo en cuenta el estallido del uso de vocal chops y los ganchos rítmicos en casi todos los géneros en los últimos años, exploremos dos métodos para crear un vocal chop pegadizo y memorable.

Primero, puedes editar y cortar manualmente una parte de audio cortando el track de la voz principal en varios pedazos, que luego podrás loopear o arrastrar y soltar. La clave para tus cortes de sonido es cortar tu parte de audio cerca del medio de una palabra o nota y luego repetir la frase o loopearla.

KONTAKT 6 también te puede ayudar. Es simple: corta palabras, frases y notas del track de voz, expórtalas a una carpeta, impórtalas a KONTAKT y úsalas como un sampler. A partir de ahí puedes crear nuevas melodías y partes reproduciendo los samples en un teclado MIDI, que puede ayudarte a encontrar nuevos ganchos rítmicos.

Mezcla y procesamiento

Por último, pero no menos importante, exploremos la mezcla y el procesamiento. En este ejemplo, los consejos te guiarán en el proceso para crear una canción convencional y orientada al pop. Primero, pon tu voz principal al centro. Después, como en el caso de los dobleces, panea duplicados por completo a la izquierda y a la derecha. Lo mismo vale para las duplicaciones de tus armonías, si tienes. Luego, puedes jugar con pads, texturas y cortes una vez que hayas encontrado el equilibrio apropiado con tus tracks de voz. El equilibrio es fundamental en todas partes, por lo que es bueno saber que, si mueves algo hacia la izquierda un 30%, posiblemente muevas otra cosa hacia la derecha un 30%.

También puedes experimentar con el equilibrio de las partes vocales altas y bajas. Si mueves partes vocales altas y bajas hacia lados opuestos, podrías desbalancear tu sonido, pero puedes contrarrestar esto doblandolas. De esta forma, podrás pannear un duplicado hacia cada lado o dejarlos cerca del estéreo.

Cuando hayas establecidos tus niveles y tu balance, comienza a configurar cuatro buses estéreo para los efectos de voz, como slap delay (delay supercorto), long delay (delay largo), room reverb (reverberación de sala) y plate reverb (reverberación de placas). Una cámara de reverberación también podría funcionar, pero no limites tu creatividad y no dudes en mezclar y combinar a gusto.

Con todos estos consejos, el único límite es tu imaginación, aunque un buen equipo siempre ayuda, así que no tengas miedo de experimentar y ver a dónde llegas.