Producir música de alta calidad nunca ha sido tan fácil. Con una gran cantidad de recursos educativos gratuitos y software de producción musical al alcance de tu mano, construir un estudio es más accesible y asequible que nunca. En esta guía, cubriremos los conceptos básicos de creación de ritmos, desde adquirir las herramientas que necesitas, hasta expandir una idea musical en una canción completamente producida. Nuestro objetivo es presentarte suficiente información para crear un flujo de trabajo que funcione para ti. ¡Entonces empecemos! Esto es lo que aprenderás.
Herramientas que necesitas para empezar a hacer ritmos
El primer paso para crear ritmos es comprender las herramientas esenciales necesarias para grabar y editar tus ideas musicales. Necesitarás un DAW, un controlador MIDI, una interfaz de audio y complementos de audio.
DAW
Un DAW (digital audio workstation) es un software de grabación y edición de audio que actúa como entorno para producir música. Los DAW son, literalmente, representaciones digitales de estudios de grabación de música física. Contienen instrumentos digitales, mesas de mezclas, capacidades de grabación multipista y otras características que necesita para componer y grabar música de alta calidad. Entonces, si deseas comenzar a crear ritmos, los DAW son una herramienta esencial para hacerlo.
Controlador MIDI
Un controlador MIDI es un hardware que se utiliza para tocar instrumentos virtuales y componer música en tu computadora. Un controlador MIDI puede tomar la forma de un teclado o un pad de ritmo. No tienen ningún sonido incorporado, pero puedes usarlos para controlar plug-ins de instrumentos virtuales en tu DAW.
Interfaz de Audio
Las interfaces de audio son el vínculo entre los mundos del sonido digital y analógico, y cierran la brecha entre tu computadora y otros equipos de audio, como parlantes, auriculares, mezcladores, instrumentos, sintetizadores, samplers y mucho más. Una interfaz de audio toma señales de audio y las convierte en datos que una computadora puede procesar, lo que le permite grabar y editar audio en entornos basados en software como un DAW. Si deseas grabar música, una interfaz de audio es imprescindible. Una vez que tengas un DAW, una interfaz de audio y un controlador midi, asegúrate de aprender a configurar tu estudio en casa para que puedas comenzar a grabar sus ideas. ¡Es superfácil!
Audio Plug-ins
Los plug-ins de audio son herramientas de software que se utilizan para agregar o mejorar la funcionalidad relacionada con el audio. Hay tres categorías principales de ellos con los que trabajarás en tu viaje de producción musical.
- Instrumentos Virtuales
- Procesadores de Audio
- Medidores (útiles, pero no esenciales para comenzar)
Instrumentos Virtuales, generan sonidos que puedes usar para componer música. Los principales tipos de instrumentos virtuales que utilizarás son samplers y sintetizadores.
Samplers, son instrumentos virtuales que utilizan audio grabado de instrumentos del mundo real como fuente de sonido. Algunos ejemplos de instrumentos muestreados incluyen pianos digitales, baterías, guitarras, bajos, cuerdas, etc.
Sintetizadores, son instrumentos electrónicos que permiten modular diferentes parámetros de una señal de audio. A diferencia de los samplers, que utilizan instrumentos pre grabados como fuente de sonido, los sintetizadores te permiten elegir formas de onda de audio y moldear su tono, frecuencia, resonancia, amplitud y mucho más, lo que los convierte en una herramienta perfecta para el diseño de sonido. Si bien puedes explorar los ajustes preestablecidos de tu sintetizador para componer música electrónica, el verdadero poder del sintetizador surge cuando aprendes a diseñar sonido por ti mismo. Una vez que aprendes a usar un sintetizador, adquieres la capacidad de diseñar sonidos únicos desde cero, lo que te ayudará mucho a definir tu propia identidad creativa.
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Procesadores de Audio
Ahora que tienes instrumentos virtuales para componer música, necesitará procesadores de audio para mejorar las cualidades tonales de tus sonidos. Los procesadores de audio se utilizan para corregir y mejorar su audio para que tu canción suene lo más clara y profesional posible. Después de grabar, es probable que tengas instrumentos que entrechoquen en un rango de frecuencia similar y algunos sonidos que se vuelvan demasiado fuertes o demasiado bajos. Estos problemas dinámicos y espectrales pueden hacer que tus instrumentos suenen fuera de lugar o que toda la canción suene turbia o áspera. Algunos sonidos incluso pueden sonar aburridos por sí solos, pero cobran vida después de agregar un efecto de eco, coro y algo de reverberación. Estos son algunos de los tipos más comunes de procesadores de audio con los que trabajarás durante las etapas de mezcla y masterización de la creación de ritmos:
- Efectos espectrales: EQ, panorama
- Efectos dinámicos: compresión, distorsión
- Efectos basados en el tiempo: retardo, reverberación, eco
- Efectos de modulación: chorus, flanger, phaser, tremolo
Cómo hacer un Beat
Ahora que comprendes las herramientas utilizadas en la producción musical, profundicemos en el flujo de trabajo de la producción musical y cómo puedes usar estas herramientas para crear música que estés orgulloso de compartir. Estos son los pasos para hacer un ritmo que cubriremos:
- Planifica tu ritmo en la preproducción
- Prepara tu sesión DAW para grabar
- Grabación de una progresión de acordes, ritmo de batería, línea de bajo y melodía
- Mezcla y masterización
1. Planifica tu Beat en la preproducción
La preproducción es una de las etapas más importantes en la producción musical porque es donde se genera una lluvia de ideas sobre la dirección creativa de tu ritmo. ¿Qué ambiente estás tratando de crear? ¿Qué emociones quieres evocar y qué acordes, ritmos y sonidos ayudarán a lograrlo? Este proceso establece objetivos que le dan a sus decisiones un sentido de dirección. Cuando se trata de producción musical, algunos pasos comunes en la preproducción incluyen:
- Definiendo el ambiente
- Recopilación de referencias
- Selección de sonido e instrumentación.
Definiendo el ambiente
Comprender la historia o el ambiente de un proyecto te ayudará a decidir sobre la instrumentación, el tempo, los acordes, el ritmo y la estructura de la canción. Así que trata de desarrollar una comprensión e intuición de cómo los diferentes elementos de la música afectan la emoción para que puedas replicarlos en tu propia producción.
Juntando tus canciones de referencia
Una cosa que puedes hacer para ayudar a inspirar el ambiente de tus ritmos es recopilar una lista de pistas de referencia que representen mejor el estado de ánimo que estás tratando de crear. Las pistas de referencia son canciones producidas profesionalmente que representan cómo quieres que suene tu propia música. Si buscas «suavemente eufórico», por ejemplo, intenta crear una lista de reproducción de canciones que capturen esa vibra. ¿Qué tempo, ritmos, progresiones de acordes, sonidos y estructura utilizan esas canciones? A medida que identificas patrones e ideas que te gustan, puedes comenzar a seleccionarlos e incluirlos en tus propias canciones. Piensa en las listas de reproducción de referencia como moodboards que inspiran tu proceso creativo.
¿Necesitas algo de inspiración? Mira una lista de recomendaciones de nuestros amigos de iZotope.
Selección de sonidos
La selección de sonido es una parte importante de la definición de tu sonido como productor. Si un compás terminado fuera una pintura, piensa en cada sonido que elijas como un color diferente en el lienzo. Asegúrate de tomarte el tiempo en la preproducción para encontrar instrumentos virtuales y sonidos que se alineen con la estética que deseas crear para un proyecto.
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2. Prepara tu sesión DAW para grabar
Una vez que hayas definido las herramientas y la dirección creativa de tu proyecto, estarás listo para abrir tu DAW. Cuál usas es en gran medida una cuestión de preferencia. MASCHINE está, por supuesto, diseñado pensando en la creación de ritmos, pero si quieres un DAW completo, obtendrás buenos resultados de cualquiera de los grandes (¡y MASCHINE seguirá funcionando a la perfección dentro del que elijas!).
Algunos DAW populares entre los creadores de ritmos incluyen FL Studio, Ableton Live, Logic Pro, Reason, Cubase, Pro Tools y Studio One.
Configurando tu sesión
Lo primero que querrás hacer es preparar tu sesión para la grabación. Comienza asegurándote de que tu controlador MIDI y la interfaz de audio estén conectados a la computadora (generalmente a través de USB).
A continuación, mira la sección de «preferencias» de tu DAW y asegúrate de haber seleccionado tu interfaz de audio como dispositivo de audio en el DAW y el controlador MIDI como dispositivo MIDI. Una vez que hagas eso, estarás listo para usar el controlador MIDI para controlar los plug-ins de instrumentos virtuales y la computadora debería estar emitiendo audio a los auriculares o monitores de estudio.
Finalmente, querrás organizar tu sesión de una manera que haga que todo sea fácilmente accesible para minimizar la interrupción de su flujo de trabajo creativo. Estas interrupciones pueden obstaculizar las ideas del momento. Así que carga los sonidos e instrumentos esenciales que decidiste usar para tu ritmo para que estén listos.
También querrás asegurarte de hacer lo siguiente:
- Seleccionar tu interfaz de audio como dispositivo de audio en su DAW
- Establecer el BPM de tu sesión al tempo de tu idea o sample. Si no tienes el número exacto en mente, puedes tocar el tempo.
- Enciende el metrónomo cada vez que grabes
- Asegúrate de tener una cuenta atrás de uno o dos compases en la configuración de grabación para que la grabación no comience inmediatamente después de presionar grabar. Una cuenta atrás te dará uno o dos compases de clic antes de que comience la grabación para ayudarte a familiarizarte con el tempo.
- A continuación, configura los localizadores para que cubran 4 u 8 compases y activa la función de ciclo.
3. Graba una progresión de acordes, ritmo de batería, bajo y melodía
Con tu DAW listo para grabar, estás listo para comenzar a hacer pistas. El seguimiento es el proceso de grabar los instrumentos y sonidos utilizados para ejecutar una pieza musical. Cada vez que grabas un nuevo instrumento, los que has grabado continúan sonando. Generalmente, la forma en que los creadores de ritmos comienzan a escribir una pieza musical es componiendo un loop de música de 4 u 8 compases y expandiéndolo más tarde.
Partes de una pista
Los componentes principales de un ritmo que te concentrarás en crear son:
- Ritmo: un patrón repetido de sonido que marca el ritmo de la pista. Este es tu bombo, caja y otros elementos de percusión como timbales y hats. Sin embargo, un ritmo no tiene que ser la batería. Puedes intentar experimentar con otros sonidos transitorios que cumplen la misma función, como ruido, sonidos mecánicos, etc.
- Línea de bajo: una secuencia de notas de baja frecuencia que llena el extremo inferior y le da potencia a tu pista.
- Melodía: una serie de notas musicalmente satisfactorias que se reproducen en registros de tono medio a alto.
- Acordes: un conjunto de notas/tonos tocados simultáneamente. Los acordes establecen el estado de ánimo de su canción mientras la melodía toca notas dentro de la progresión de acordes y «canta» sobre ella.
¿Deberías comenzar con la batería, los acordes o la melodía?
Descubrirás que cada productor tiene su propia forma de comenzar un ritmo, pero en general, a menudo depende del estilo de música que estés creando. A algunos productores les gusta establecer primero la base emocional de una canción con los acordes, mientras que a otros les gusta comenzar estableciendo un ritmo con la batería. Aquí hay algunas maneras diferentes en las que puedes comenzar tu beat:
- Empieza con el instrumento con el que te sientas más cómodo.
- Despierta la inspiración con un loop de un paquete de samples que puedes usar.
- Comienza con un sonido o instrumento que definirá el ambiente que deseas crear. Esto generalmente lo dicta el género que estás escribiendo. Algunos géneros, como la música house y el hip hop, tienen patrones de percusión comunes que puedes usar para comenzar con otras partes de tu música.
Sea como sea, lo importante es que tú des el primer paso. Cada decisión que tomes inspirará la siguiente. Entonces, una vez que decidas el sonido que dará inicio a tu pista, el siguiente paso es explorar ideas musicales con ese sonido.
Encontrar una idea musical: improvisación y experimentación
En esta etapa, simplemente estás tocando un instrumento o editando un sonido para encontrar una idea musical sobre la que puedas construir.
Obviamente, no estás haciendo esto a ciegas. Estás jugando dentro de los límites que te has fijado en la preproducción; has identificado las emociones que intentas evocar y ya absorbiste las referencias que te inspiran. Si bien el término «límites» suena restrictivo, los límites en realidad pueden ayudar a tu proceso creativo al reducir infinitas posibilidades.
Mientras juegas, permítete acceder a un estado de flujo. Sigue jugando hasta que encuentres algo que realmente te conmueva. Es importante tener en cuenta que no todas las sesiones darán como resultado algo que valga la pena grabar. Y eso está bien. Si bien algunas sesiones no dan como resultado una pista grabada, te irás con un mayor dominio de tu instrumento, lo que juega un papel importante en tu capacidad de crear a largo plazo.
Escribir una progresión de acordes
Una progresión de acordes es un buen lugar para comenzar porque puede hacer que un ritmo se sienta más rápido como una canción completa; cubren una amplia gama de frecuencias, establecen una base melódica y añaden ritmo. En otras palabras, cubren mucho terreno musical.
Si deseas escribir tus propias progresiones de acordes, es útil aprender teoría musical y comprender las emociones de la progresión de acordes. Alternativamente, puedes navegar a través de una biblioteca de loops de paquetes de samples que coincidan con el género o el ambiente que buscas y colocarlo en la línea de tiempo para generar inspiración. Si estás utilizando loops, asegúrate de que cada muestra esté afinada en el tono en el que desea escribir el beat.
Haz la batería
Los elementos principales de un ritmo de batería son el bombo, la tarola, los hats y los toms/percusión. Una vez que hayas configurado una pista de batería y la hayas vinculado a un plug-in de batería, existen algunas formas diferentes de grabar los ritmos.
Una opción es sacar el piano-roll y usar la herramienta de lápiz de tu DAW para dibujar dónde desea que vaya cada golpe de batería en la cuadrícula. Este método es excelente y rápido si conoces el patrón que deseas.
Otro método es crear un ritmo de batería con un secuenciador de patrones. La ventaja de usar un secuenciador de patrones es que aceleran el proceso de creación de patrones de batería porque generalmente vienen con herramientas que hacen que repetir cosas, como patrones de hats, sea muy fácil.
Alternativamente, puedes tocar el ritmo de batería en una máquina de ritmos MIDI. Este método es ideal cuando deseas que tu ejecución tenga el elemento humano de la imperfección sutil. Cuando se utiliza el secuenciador de patrones o los métodos de herramientas de lápiz, el resultado suele estar perfectamente cuantificado, lo que puede hacer que el ritmo suene sin vida y requerirá que vuelvas atrás y agregues sutiles imperfecciones de tiempo y variaciones de velocidad.
Escribe una línea de bajo
Una vez que hayas dominado los acordes y la batería, las otras partes de su ritmo encajarán más fácilmente. Si tienes los acordes bajos, por ejemplo, la línea de bajo generalmente tocará la nota raíz de sus acordes en el registro más bajo. Y si tienes el tambor bajo, la línea de bajo generalmente tocará con el bombo o contra él. Estas no son reglas difíciles de seguir, pero la idea principal es que los acordes y el ritmo de una pista generalmente dictarán la trayectoria de los otros elementos.
Escribe una melodía
Similar a la línea de bajo, la melodía está influenciada por los acordes y el ritmo. Una apuesta segura es seguir tocando notas que funcionen dentro del acorde que estás tocando.
4. Arreglo: convertir un loop en una canción completa
Ahora que tienes un loop de cuatro compases con el que estás satisfecho, es hora de organizar las partes que grabaste en un tiempo completo. Lo primero que querrás hacer es duplicar el loop hasta que la canción dure aproximadamente 4 minutos (o la duración que desees que tenga tu canción). A partir de ahí, solo es cuestión de hacer lo siguiente:
- Etiqueta la estructura de tu canción.
- Agrega y elimina partes de tu canción para encontrar el equilibrio entre la variación y la repetición.
- Pule las transiciones entre las secciones de tu canción.
Estructura de la canción
Antes de comenzar a arreglar tu beat, usa los marcadores de arreglo de su DAW para etiquetar las diferentes secciones. Esto ayudará a navegar la sesión y facilitará la decisión de cómo editar cada sección de tu canción. Por lo general, cada sección de un tiempo tiene un propósito, y ese propósito dictará cómo vas a arreglar tus instrumentos. ¿Quieres que el coro se sienta impactante y enorme? Entonces, las partes a su alrededor deben desmontarse para crear el contraste que desea. ¿Quieres que el cantante o rapero brille en los versos? Entonces mantén la instrumentación mínima y filtra las frecuencias que enmascaran las voces para crear espacio.
Una cosa que puede hacer para mejorar el arreglo es estudiar la estructura y el arreglo de sus pistas de referencia. Las estructuras de las canciones varían según el género y el gusto personal, pero aquí hay un ejemplo de una estructura de canción común:
- Intro
- Verso I
- Pre-coro
- Coro
- Verso II
- Pre-coro
- Coro II
- Instrumental
- Puente
- Coro III
- Salida
Sumar y restar partes: variación y repetición
El secreto para crear un ritmo pegajoso que mantenga a los oyentes interesados es encontrar el equilibrio perfecto entre la variación y la repetición en la música. La repetición en la música es simplemente la repetición de sonidos, notas y temas a lo largo de una canción que ayuda al oyente a esperar lo que va a pasar y recordarlo una vez que termina. Si bien la repetición en la música puede ayudar a enganchar a los oyentes, demasiado también puede aburrirlos. Una buena regla general para evitar aburrir a tus oyentes es agregar o restar algo de tu ritmo cada ocho compases para mantener al oyente interesado.
En este punto, tienes tu batería, bajo, acordes y melodía. Puede experimentar eliminando uno o dos elementos de su ciclo para una sección determinada. O agregando un nuevo sonido o armonía que mantendrá a los oyentes interesados.
Estos son los siete elementos de la música que puede considerar repetir, agregar y variar a lo largo de su canción:
- Sonido (armónicos, timbre, afinación, amplitud, duración, imagen estéreo)
- Melodía.
- Armonía.
- Ritmo.
- Textura.
- Estructura/forma.
- Expresión (dinámicas, tempo, articulación)
Pulir las transiciones entre secciones del ritmo.
Una transición es un elemento musical que se utiliza para unir diferentes secciones de una canción. Cada vez que terminas una sección de tu canción, quieres tener un elemento que enfatice una transición. Intenta experimentar con rellenos de batería, subidas, silencio y otras técnicas de transición que ayudan a generar anticipación y emoción a medida que tu beat avanza de una sección a otra. Una vez más, escuchar tus referencias es una excelente manera de aprender ideas.
5. Mezcla y Masterización
Una vez que termines de arreglar tu ritmo, es hora de pulirlo para distribuirlo en las etapas de mezcla y masterización de la producción de audio.
La fase de mezcla es el paso posterior a la grabación, en el que te centrarás en combinar los elementos individuales de tu ritmo en una pieza cohesionada. Utilizarás herramientas como el ecualizador para crear claridad y espacio en cada pista, la compresión para controlar la dinámica y otros efectos para unir todo. Una de las formas más intuitivas e inteligentes de mezclar es utilizar un plug-in de mezcla como Neutron de iZotope. Viene con todo lo que necesitas para mezclar profesionalmente tus pistas junto con un asistente de IA que hace que la mezcla sea más fácil y rápida que nunca.
Una vez que hayas terminado de mezclar, descargarás la mezcla a un archivo estéreo.
La masterización de audio es la fase final de la producción de audio, en la que se realizan sutiles correcciones y mejoras en toda la mezcla, a diferencia de las pistas individuales. En esta fase te aseguras de que tu mezcla cumple con los requisitos de sonoridad para el medio de distribución previsto y de que tu ritmo suena bien en diferentes entornos de escucha. Echa un vistazo a Ozone, un premiado plug-in de masterización utilizado por innumerables productores galardonados. También está impulsado por la IA y el aprendizaje automático de iZotope y te ayudará a producir un máster listo para su distribución.
Si quieres aprender a mezclar y masterizar tu propia música, consulta los recursos educativos gratuitos de iZotope sobre mezcla y masterización.
Empieza a hacer tus propios Beats
Como todo, crear ritmos es un hábito con una curva de aprendizaje. Cuanto más lo hagas, mejor se te dará y más rápido conseguirás crear piezas musicales que te gusten. Esperamos que esta guía te ayude a empezar a crear un flujo de trabajo de producción musical que te funcione. Y como siempre, nunca dejes de aprender e inspirarte. Si lo consigues, es solo cuestión de tiempo que llegues al nivel al que aspiras.