5 maneras para hacer que las cuerdas MIDI suenen mejor

Primero, tienes que saber cuál es tu objetivo

Antes de sacar todas tus bibliotecas de samples, es importante saber cómo tocan los músicos de instrumentos de cuerda y cuáles son sus limitaciones. Hay muchos recursos que explican ciertos aspectos como los registros de instrumentos individuales, los tipos de articulación y las técnicas de ejecución. Si de verdad quieres profundizar en el tema, la publicación The Guide to MIDI Orchestration (Guía para la orquestación MIDI) de Paul Gilreath es un buen punto de partida, y también puedes leer The Study of Orchestration (El estudio de la orquestación) de Samuel Adler. Además, puedes estudiar partituras impresas para ver las notaciones del propio compositor y aprender cómo las cuerdas acompañan y complementan el resto de las secciones orquestales. Sin embargo, no hay nada mejor que vivirlo en persona: asiste a un concierto en vivo e inspírate. Siéntate en los primeros asientos del auditorio y observa cómo los músicos de instrumentos de cuerda usan sus instrumentos mientras tocan. Solo viéndolos de cerca podrás ver sus técnicas de arco, la digitación para hacer vibrato y el flujo dinámico de la ejecución en plena acción. Una vez que vuelvas al estudio, podrás traducir ese conocimiento a tus propios arreglos de cuerdas usando instrumentos virtuales para imitar los cambios de arco, vibrato y expresión.

Las herramientas apropiadas

Según el tipo de escritura de cuerdas que estés haciendo, necesitarás programar cuerdas en varias formas diferentes y usar varios tipos de bibliotecas. Por ejemplo, el ensamble más pequeño de SESSION STRINGS 2 es más apropiado para el pop y géneros con un ritmo más rápido que tienen sesiones de grabación con micrófonos colocados más cerca de las fuentes de sonido. La selección de articulaciones acentuadas, como los scoops (recorte de medios) y las caídas, son un elemento básico de la música disco en particular. Sin embargo, si estás buscando lograr una sensación cinemática completa, las cuerdas de SYMPHONY SERIES son una mejor apuesta. Este expresivo ensamble de 60 piezas y sus transiciones de portamento pueden generar ambientes románticos a lo Hollywood.

La música de las bandas sonoras de los medios modernos sigue, en líneas generales, las tendencias de la industria de la televisión. Lo que está de moda ahora son las cuerdas con un sonido crudo e íntimo y armonías delicadas, así que escucharás muchas articulaciones con sordino y flautando. En este ejemplo se usa el parche Sotto de Sonokinetic, que viene listo para usarse con NKS, y un parche de las Intimate Textures de Heavyocity, para evocar la sensación de un escalofriante páramo nórdico.

Divide y vencerás

Si usas un teclado controlador MIDI para escribir tus partes de cuerdas, quizás te cueste dejar de pensar como un pianista. La escritura de cuerdas tiene un estilo propio, así que ten en cuenta esto cuando programes para evitar los acordes en bloques simples. En la vida real, una sección de cuerdas rara vez tocará toda al mismo tiempo; más bien, el violín, la viola, el violonchelo y las secciones de bajo formarán melodías y se complementarán entre sí. Imita esto en tu propia escritura de cuerdas usando parches de secciones individuales donde sea necesario, en lugar de usar solo un parche de ensamble. Además, cualquier otra sección de cuerdas se puede separar en dos o más partes divisi. Asegúrate de que tu biblioteca de cuerdas tenga secciones divisi grabadas, ya que usándolas conseguirás un resultado mucho más realista que tocando un acorde con un parche de un solo instrumento. Por ejemplo, las bibliotecas como Hollywood Strings tienen 16 violines divididos en dos parches divisi de entre 7 y 9 instrumentos. Las cuerdas de la SYMPHONY SERIES van un paso más allá usando un motor Auto Divisi que pone automáticamente el número correcto de instrumentos en las notas MIDI que siguen. Estos ejemplos tienen un parche de violines. El primero no tiene divisi, y se puede escuchar cómo las notas van acumulándose de forma poco real; el segundo tiene el divisi activado para simular un número realista de músicos.

El sonido del espacio

La mayoría de las bibliotecas vienen con una variedad de posiciones de micrófono y, a menudo, con reverberación incorporada para colocar las cuerdas como si estuvieran en un espacio físico. Este procesamiento presenta un tono innovador, pero deberías pensar en estas configuraciones estándar como un punto de partida y no como tu objetivo final. Experimenta con diferentes combinaciones de micrófonos y reverberación para hacer que tus cuerdas suenen como si las estuvieran tocando en la misma sala que los otros instrumentos de tu track. Esta puede ser una tarea difícil, y la discusión sobre las sutilezas de la ubicación orquestal y la mezcla merece su propio artículo, pero estos son algunos consejos: Para comenzar, aísla los micrófonos más cercanos, desactiva la reverberación incorporada de los instrumentos de cuerda y usa para las cuerdas el mismo procesamiento de reverberación que para el resto de tus instrumentos. Probablemente, esto sonará demasiado cercano y seco, así que empieza a introducir otros micrófonos en orden de distancia hasta que escuches una sensación de espacio más realista. Quizás necesites alejar un poco los micrófonos cercanos o ecualizarlos para quitar algunas de las frecuencias altas más duras. Escucha bandas sonoras profesionales y notarás que, por lo general, el ambiente de las cuerdas es más seco de lo que se podría esperar, así que usa esas grabaciones como puntos de referencia.

Superposición moderna

Hasta ahora hemos analizado el realismo en las partes de cuerdas, pero dar vuelta esa idea puede ser igual de efectivo. Por lo general, las composiciones modernas evitan la orquestación tradicional y prefieren las bandas sonoras híbridas que usan sintetizadores y efectos especiales. No se dejaron de lado las cuerdas, y gran parte del público sentirá que suenan “mejor” las cuerdas con sonidos más dramáticos de timbres pesados y una acentuación bien marcada. Por lo general, esto se logra superponiendo bibliotecas de cuerdas o combinándolas con sonidos sintéticos.

Intenta superponer dos bibliotecas de cuerdas diferentes. En este caso, el tema original de la SYMPHONY SERIES del primer ejemplo está superpuesto con Symphobia 1 en el segundo ejemplo, y cada uno está apenas desafinado en relación con el tono estándar para lograr una sensación gruesa y abundante.

Para lograr motivos spiccato sólidos, duplica tu parte spiccato original (ejemplo 1) en un nuevo track y haz una transposición de MIDI, bajando seis semitonos. Luego, establece el máster de Kontakt girando la perilla a +6 para que las cuerdas recuperen el tono que tenían en la parte original, lo que generará una sensación mucho más agresiva cuando estén superpuestos como en el ejemplo 2.

Las partes de cuerdas se pueden duplicar fácilmente con formas de onda simples de MASSIVE o de otros sintetizadores de software. Una curva senoidal simple con una curva ADSR similar a la de tus cuerdas y un poco de saturación en tubo es una mezcla perfecta para darle más poder a la parte inferior de esta parte de contrabajo. Escucha el antes y el después.