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por Chloé Lula

En Fiebre, Dengue Dengue Dengue utiliza POLYPLEX, RAUM y REPLIKA para agregar shakers, fabricados con pezuñas de animales, a su futurismo tropical

Hablamos con el dúo peruano sobre la combinación de sonidos tradicionales con métodos modernos para su último EP.

En un rincón del estudio Neukölln, de Felipe Salmon, se encuentra un conjunto de pezuñas de animales sujetas con tiras de cordones de varios colores. Tienen el tamaño y el color de los hongos: beige y un negro parecido a la tinta; pulidos suavemente, alrededor de sus periferias enganchadas, por años de uso. “También tengo muchas semillas diferentes amarradas”, dice Salmon con indiferencia. Se encuentran junto a pezuñas de cerdo, pezuñas de cabra y una quijada alargada de burro momificada. Estos son algunos ejemplos de chajchas tradicionales de los Andes peruanos, cercanos a Lima, de donde son originarios Salmon y su socio de producción, Rafael Pereira. Desde 2010, el dúo afroelectrónico, conocido como Dengue Dengue Dengue, ha utilizado herramientas como estas en el corazón de sus producciones musicales, recuperando sonidos que alguna vez fueron relegados a las arcas de la cumbia, la chicha y la música criolla de la vieja escuela a la música de club glitcheada del siglo XXI. Su EP más reciente, Fiebre, es la culminación de una década de experimentación construida mediante la superposición de percusiones acústicasen polirritmos trippy minimales con la ayuda de plug-ins y sintetizadores contemporáneos.

“Este es un estilo que seguiremos explorando durante un tiempo”, dice Salmon. “Estamos tratando de crear nuevos sonidos en lugar de imitar los de otra persona.” El nuevo género al que se refiere es oscuro y desordenado. A lo largo de siete pistas, él y Pereira superponen recortes de tambores peruanos grabados en vivo durante sus viajes de regreso a Sudamérica, o con los instrumentos que tienen a su disposición en Berlín, con líneas de sintetizador descabelladas que se acomodan libremente en compases de tiempo y rejillas superpuestas. Su espíritu se encuentra en algún lugar entre la instrumentación peruana y la sensibilidad rítmica del gqom y el IDM de los 90; una canción puede sincopar un cajón a medio galope (cajón peruano que se toca golpeando los costados) con ruidos intermitentes influenciados por el footwork, o colocar congas flotando sobre una hermosa ráfaga de sintetizadores ambientales. Fieles a NAAFI, el sello conceptual mexicano de música club que lanzó el EP el 16 de octubre, las pistas tienen matices más oscuros que algunos de los LP anteriores del dúo, evitando los animados himnos de pista de baile para, en su lugar, repetir arpegios de acordes menores o ninguna melodía.

Ha sido importante para Salmon y Pereira explorar el mundo más allá de los cuartos fáciles de digerir en la pista de baile. “No es que usar 4/4 sea aburrido, es el ritmo de tu corazón. Te pone en un trance meditativo. Es asombroso. Pero también hay un universo completamente diferente si te olvidas de la rejilla”, dice Pereira. “Si trabajas con el espacio y lo divides en otras partes, entonces tienes más espacio para agregar cosas.” La pareja ha aprendido a ver sus producciones como piezas de un rompecabezas que se pueden desarmar y volver a armar en su DAW. Un proyecto puede comenzar a 120 BPM en 4/4. Una vez que se establece el primer tempo, se superpondrá un segundo tempo a 140 BPM en 3/4. “Tienes que mirar los espacios entre los tiempos”, describe Salmon. “Si comprimes una pista más rápida en 3/4 sobre otra en 4/4 en el BPM original, de alguna manera, funciona.” El efecto melodioso que produce esta técnica se ha convertido en una de las marcas registradas de Dengue Dengue Dengue, apareciendo en canciones como “Del Alma”, de su compilación autoeditada Kebrada, y “Atlántida”, “Hyperborea” y “Lemuria”, de su disco Continentes Perdidos.

Si bien estos conceptos rítmicos parecen complejos, la filosofía de Pereira y Salmon es simple: transmitir su mensaje conla menor cantidad de elementos posible. La mayoría de sus procesos de grabación reales son improvisaciones, con poca preparación a manera de concepto. Incluso los vertiginosos polirritmos que obtienen suelen ser el resultado de la experimentación al azar, en lugar de basarse en una fórmula establecida. Una de las pistas más rítmicamente intrincadas de Fiebre, “Yaama”, solo contenía cinco pistas de audio cuando se terminó. Partió de sesiones de grabación realizadas meses antes del concepto general que vendría a definir cada una de las pistas del álbum. “Hice que percusionistas peruanos grabaran material a 100 BPM, 130 BPM, etc.”, dice Salmon. “Así que tenía muchos samples y ritmos con los que podría trabajar después.” En cuanto a “Yaama”, comenzó con una línea de bajo inspirada en el dubstep de la vieja escuela. Luego recortó y adaptó los samples de percusión que trajo de Perú. “Nada de esto fue solo la percusión directa que grabamos”, explica. Cortó y modificó las muestras en loops que colocó en capas sobre las líneas de bajo y sintetizadores hasta que estuvo contento de cómo sonaba.

Algunas baterías que el dúo utiliza para complementar sus grabaciones acústicas las crea a partir de POLYPLEX, de Native Instruments, así como un conjunto de otros plug-ins. Casi siempre procesan su audio con la reverberación RAUM, que utilizan como pista de envío en su DAW, y el delay REPLIKA. “No se puede simplemente tocar percusión sin efectos sobre música electrónica”, según Salmon. Luego sobreponen cada sample con diferentes reverberaciones para crear una sensación de espacio tridimensional. Pueden comenzar con un elemento, como un lead de sintetizador elaborado a partir del Waldorf Streichfett, y agregarle sonidos y efectos poco a poco. Después procesan los ritmos con compresión, saturación y overdrive para dar a las canciones un sonido más fuerte, y agregan sidechain a algunas frecuencias para evitar un sonido confuso en las frecuencias graves. Cuando tienen la pista arreglada, se preparan para exportar loops y samples para lograr una situación de escenario en vivo más versátil, donde a menudo se les unen percusionistas.

“Cuando tocamos las versiones en vivo de estas pistas, siempre usamos Maschine”, dice Salmon. Disparan samplesrecortados y loops pregrabados desde el DAW. Cuando tocan con bateristas peruanos, mantienen un arreglo bastante ajustado que se desvía muy poco de la pista grabada. Un cambio demasiado drástico podría confundir a los músicos en vivo y se perdería el hilo de la canción por completo. Sin embargo, cuando el dúo toca solo, utilizaMASCHINE para reproducir más sonidos de percusión orgánicos en vivo, sin la banda. “Me permite activar la percusión directamente y darle un toque más humano”, dice Salmon. “También puedo agregarles textura o eliminar sonidos de la pista original.” Es una configuración que el dúo ha estado usando durante años, incluso llevándola con ellos a Perú para grabar con la banda de cumbia Los Wembler’s de Iquitos, en 2017. La integración de MASCHINE ha permitido colaboraciones mucho más ricas, agrega, porque los instrumentistas más tradicionales se adaptan con mayor facilidad.

Estas asociaciones musicales son solo el primer paso para unir a la vieja guardia de Perú con una nueva generación de artistas electrónicos de América Latina. El mes pasado, Pereira y Salmon lanzaron un sello, Kebrada, que será hogar para productores del norte y del sur que trabajen fuera de los límites del 4/4. Su primera compilación vio lanzamientos de DJ Python, Siete Catorce, un productor mexicano que trabaja en compases extremadamente complejos, y Nick Leon, entre otros. El próximo será del productor peruano QOQEQA. La banda espera utilizar a Dengue Dengue Dengue como plataforma para “lanzar a otras personas de donde venimos”.

El proyecto es intrigante por varias razones. No solo promete ayudar a amplificar las tradiciones musicales menos conocidas transmitidas en el linaje afroperuano, específicamente de las comunidades de esclavos negros que fueron sacados de África occidental después de la llegada de los conquistadores, sino que aporta esta herencia al dance floor a través del fenómeno relativamente nuevo de la música electrónica latina. Mantenerse fiel a los ritmos afrolatinos mientras sumergen un dedo en el footwork, el bajo pesado y la música electrónica de tempo rápido también significa ayudar a definir un estilo emergente en una escena transregional específica. Pereira y Salmon son inflexibles sobre el hecho de que no quieren que esta música se asocie con ningún género. “Queremos transmitir a la audiencia que no deben esperar nada de nosotros”, dice Pereira. “Quiero que la gente adivine y no sepa qué va a suceder a continuación.”

Por ahora, parece que lo “próximo” podría ser un regreso a su amor por la electrónica. Los primeros proyectos de Dengue Dengue Dengue exploraron una variedad de estilos basados principalmente en drum & bass y dubstep. Pero su movimiento para casar el “futurismo tropical” con un repertorio más folclórico ha dado lugar a una escena satélite pequeña, pero dedicada, que está trayendo texturas digitales a toques de música originaria de la región amazónica. Fiebre representa este paradigma novedoso: las producciones están llenas del espacio negativo y la atmósfera que el dúo ha promovido durante décadas. También contienen distintas alusiones a la icónica percusión peruana que el dúo se ha vuelto a apropiar, pero deconstruida, en capas descabelladas, a través del entrelazado único de ambas.

Puedes escuchar Fiebre en su totalidad ahora mismo en Bandcamp. Y no te olvides de ver nuestro mini documental que muestra las experiencias de la banda grabando en Perú con las leyendas de la cumbia psicodélica Los Wembler’s de Iquitos.

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